9 από τα πιο διάσημα μινιμαλιστικά έργα τέχνης που καθόρισαν το είδος

Το είδος του μινιμαλισμού αποκαλύπτεται σε διάφορες μορφές τέχνης: ζωγραφική, μουσική και λογοτεχνία. Ξεκίνησε τη δεκαετία του '60 του 20ου αιώνα και δημιουργήθηκε ως απάντηση στον αφηρημένο εξπρεσιονισμό. Οι μινιμαλιστές προσπάθησαν να απομακρυνθούν από τα εκφραστικά χαρακτηριστικά του αφηρημένου εξπρεσιονισμού, καθώς θεωρούσαν αυτά τα έργα πολύ πομπώδη, υποβαθμίζοντας την ουσία της ίδιας της τέχνης. Αντίθετα, καλλιτέχνες του μινιμαλιστικού είδους προσπάθησαν να δημιουργήσουν μια εικόνα από απλές γραμμές και φιγούρες. Ο μινιμαλισμός χαρακτηρίζεται από την ερμηνεία των έργων μέσα από τα μάτια του θεατή. Ειδικά για αυτό το έργο τέχνης, αφαιρούνται όλα τα πολύπλοκα αντικείμενα, τα μέσα αυτοέκφρασης, οι βιογραφίες και τα κοινωνικά προγράμματα. Ο θεατής πρέπει να δει την εικόνα όπως είναι στην πραγματικότητα: γεμάτη παρθένα ομορφιά και ειλικρίνεια.

Λόγω της έντονης έμφασης σε βασικά στοιχεία, το είδος του μινιμαλισμού ήταν γνωστό ως τέχνη ABC. Οι περισσότεροι από τους πιο εξέχοντες μινιμαλιστές ήταν γλύπτες, αλλά ο μινιμαλισμός ήταν επίσης διαδεδομένος στη Land Art, ένα παρακλάδι του είδους που αποσκοπούσε στη δημιουργία τέχνης με τη μορφή τοπίων, ουσιαστικά ενός κλάδου του σχεδιασμού τοπίου.

Ο μινιμαλισμός επικεντρώνεται επίσης στην κίνηση του φωτός και του χώρου, αλλά πολλοί καλλιτέχνες αυτού του είδους προσπαθούν να απεικονίσουν το κενό στα έργα τους.

Πιστεύεται ότι ο μινιμαλισμός προέρχεται από την Ασία. Για το έργο πολλών δυτικών καλλιτεχνών, όπως παραδειγματίστηκε από την Agnes Martin, ο Ζεν Βουδισμός είχε τεράστιο αντίκτυπο. Η τεράστια μάζα των μινιμαλιστών καλλιτεχνών επηρεάστηκε από την έννοια του «κενού» που δανείστηκε από τις ινδουιστικές γραφές. Το Mono-ha ήταν ένα από τα μεγαλύτερα μινιμαλιστικά κινήματα στην Ασία. Ήταν το πρώτο διεθνώς αναγνωρισμένο κίνημα σύγχρονης τέχνης της Ιαπωνίας. Το Mono-ha, που αναφέρεται επίσης ως «Σχολή των Πραγμάτων», ξεκίνησε στα μέσα της δεκαετίας του '60 του ΧΧ αιώνα και στη συνέχεια έγινε ένα καινοτόμο κίνημα τέχνης. Επικεφαλής αυτής της ομάδας ήταν ο Li Ufang και ο Nobuo Sekine. Ήταν ο μόνος σύλλογος που τοποθέτησε τις δραστηριότητές του ως δραστηριότητες «μη δημιουργικότητας». Τέτοιες ομάδες απέρριψαν τις παραδοσιακές ιδέες αναπαράστασης. Η επιθυμία τους ήταν να αποκαλύψουν τον κόσμο αλληλεπιδρώντας με τα υλικά και τις ιδιότητές τους, παρόμοια με τη δυτική τάση του μινιμαλισμού.

Προσφέρουμε για προβολή τα πιο διάσημα έργα μινιμαλιστικής τέχνης, δίνοντας έμφαση σε αυτό το είδος. Θα σας παρουσιαστούν επίσης πίνακες και γλυπτά που καταστρέφουν τις παραδοσιακές ιδέες για την τέχνη γενικότερα, αφού έχουν διαγράψει τις μεταξύ τους διαφορές.

Frank Stella "Πάνο προς τον ουρανό!" (1995)

Ο Frank Stella, ως ζωγράφος, γλύπτης και χαράκτης, θεωρείται ένας από τους πιο σημαντικούς Αμερικανούς καλλιτέχνες που ζουν σήμερα. Οι πίνακές του, γεμάτοι ρίγες, καθώς και μεγαλεπήβολα prints, έφεραν επανάσταση όχι μόνο στον κόσμο του μινιμαλισμού, αλλά και στην αφαίρεση. Ο συγγραφέας σημειώνει ότι τη μεγαλύτερη επιρροή στο έργο του είχαν οι αφηρημένοι καλλιτέχνες Pollock και Klein. Αλλά με τη θέληση της μοίρας, ο Frank Stella έγινε ένας από τους ιδρυτές του μινιμαλισμού.

"Ψηλά πανό!" πήρε το όνομά του από το τραγούδι των Ναζί, αλλά όλα εκτός από το όνομα της εικόνας δεν φαίνεται να έχουν νόημα. Αυτό το έργο είναι μέρος ενός μεγάλου κύκλου σκοτεινών έργων της Στέλλας. Οι φωτεινές γραμμές, σαφώς ορατές στην εικόνα, είναι απλώς ένας ακατέργαστος καμβάς που έχει μείνει ανάμεσα σε φαρδιές μαύρες ρίγες. Αυτό το μονόχρωμο έργο είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακες που αμφισβητούν το αφηρημένο κίνημα.

Robert Morris, Untitled (Mirror Cubes) (1965/71)

Το «Untitled (Mirror Cubes)» του Robert Morris τον αποκαλύπτει όχι μόνο ως δημιουργό του μινιμαλιστικού είδους, αλλά και ως εννοιολογικό. Ο συγγραφέας συνάντησε μεγάλα γκρίζα κουτιά από κόντρα πλακέ και χρησιμοποιήθηκαν ως διακοσμητικά ενώ έπαιζε ακόμα με μια παρέα μπαλέτου. Στο έργο του, κάλυψε αυτά τα κουτιά με καθρέφτες, αλλάζοντας έτσι τον τρόπο αντίληψης, προσθέτοντας νέες οπτικές ιδιότητες σε απλούς γκρίζους κύβους. Η σύνθεση στοχεύει στην άμεση αλληλεπίδραση του θεατή με το αντικείμενο: περπατώντας ανάμεσα στους καθρέφτες κύβους, οι θεατές συγκρούονται ακούσια με τον εαυτό τους και παραμένουν σαν μόνοι με τις σκέψεις τους, αλλά μόνοι με όλους. Η πράξη του θαυμασμού ενός έργου τέχνης διακόπτεται ξαφνικά από την πράξη της αναζήτησης. Σε αυτή τη βάση γίνεται η «εισβολή» στον χώρο της γκαλερί. Ένα άτομο αρχίζει να αισθάνεται την παρουσία της τέχνης πέρα από το ορατό.

Agnes Martin, Back to the World (1997)

Η Agnes Martin ζωγράφιζε πίνακες που δεν απεικόνιζαν αντικείμενα με κανέναν τρόπο, ωστόσο τα ονόματά τους τόνιζαν την έντονη γοητεία της φύσης. Το έργο του Martin αναγνωρίστηκε από ένα πλέγμα που συνδυάζει μινιμαλισμό και χρωματικό συνδυασμό. Το πλέγμα χρησιμοποιήθηκε για την οργάνωση του χώρου του καμβά. Έχει βοηθήσει στη δημιουργία μιας ατελείωτης ποικιλίας καταπραϋντικών έργων σε διακριτικούς χρωματικούς συνδυασμούς.

Έντονα επηρεασμένη από τον Ζεν Βουδισμό και τον Ταοϊσμό, η Μάρτιν ήταν πολύ αποκομμένη από τον κόσμο για το μεγαλύτερο μέρος της ζωής της, ζώντας ακόμη και στο Νέο Μεξικό. Στα 40 της διαγνώστηκε με σχιζοφρένεια. Το «Back to the World» γράφτηκε στην 9η δεκαετία της ζωής της. Εκείνη την εποχή βρισκόταν σε οίκο ευγηρίας. Οι ρίγες του μπλε, του ροδακινί και του κίτρινου συνέχισαν να τονίζουν την αποκλειστικότητα της τέχνης σε έναν κόσμο γεμάτο διαφθορά, έτσι μείωσε το μέγεθος των καμβάδων της για να δυσκολεύεται λιγότερα μαζί τους.

Ellsworth Kelly, Red, Yellow, Blue II (1953)

Η υπηρεσία κατά τη διάρκεια του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου είχε σαφή αντίκτυπο στον Έλσγουορθ Κέλι. Κατά κάποιο τρόπο χρησιμοποιήθηκε ως παρατήρηση της φύσης και της αρχιτεκτονικής και στη συνέχεια εφαρμόστηκε στην πράξη. Η προσεκτική μελέτη της αφαίρεσης από τον συγγραφέα και η εφαρμογή της στα έργα του ανέπτυξε τον μινιμαλισμό. Η σειρά ζωγραφικής «Κόκκινο, Κίτρινο, Μπλε» επηρέασε τον τρόπο ζωγραφικής. Δημιουργήθηκε μόλις η Kelly ανακάλυψε τις ατελείωτες δυνατότητες του μονόχρωμου χρωματικού φάσματος, της τυχαιότητας και της σύνθεσης πολλαπλών πάνελ.

Το Κόκκινο Κίτρινο Μπλε II αποτελείται από επτά πίνακες. Το κεντρικό μαύρο πάνελ είναι και διαχωριστικό και τρία πάνελ σε κάθε πλευρά. Τα μπλε πάνελ στα άκρα τονίζουν τη σύνθεση της Kelly. Είναι αυτό το έργο που θεωρείται ένα από τα καλύτερα έργα του, καθώς και το μεγαλύτερο έργο κατά τη διάρκεια της παραμονής του στο Παρίσι.

Sol Levitt, Ζωγραφισμένοι τοίχοι

Ο Sol Levitt έχει ζωγραφίσει 1.350 τοίχους στα 40 χρόνια της καριέρας του, 3.500 εκ των οποίων είναι εγκαταστάσεις σε 1.200 τοποθεσίες. Τα σχέδια ήταν εντελώς διαφορετικά: από ίσιες ρίγες εφαρμοσμένες με μαύρο σχιστόλιθο, μέχρι πολύχρωμες κυματιστές γραμμές, μονόχρωμα γεωμετρικά σχήματα και φωτεινούς χώρους βαμμένους με ακρυλικό. Ο συγγραφέας απέρριψε την παραδοσιακή σημασία του χεριού του ίδιου του δημιουργού, επιτρέποντάς του να βοηθά τους άλλους στη δημιουργία του έργου τέχνης του. Οι τοιχογραφίες του έπαιρναν τις μορφές των χώρων που καταλάμβαναν, επομένως υποβλήθηκαν σε σπουδές στον τομέα της αρχιτεκτονικής και της τέχνης.

Ο Λέβιτ πέθανε το 2007, αλλά το έργο του συνεχίζει να ζει, γιατί το πνεύμα του καλλιτέχνη είναι ενσωματωμένο σε αυτά. Σήμερα, υπάρχουν αρκετοί καλλιτέχνες που αρνούνται να αναδημιουργήσουν τις τοιχογραφίες του, επιτρέποντάς τους έτσι να διακοσμήσουν τοίχους σε όλο τον κόσμο.

Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)

Το Rainbow Picket είναι μια εγκατάσταση σε μέγεθος δωματίου. Αποτελείται από έξι τραπεζοειδή, διαφορετικού χρώματος και μήκους. Εκτός από την πρώτη ατομική έκθεση στην γκαλερί Rolf Nelson στο Λος Άντζελες (Ιανουάριος 1966), αυτό το έργο παρουσιάστηκε στη θεμελιώδη έκθεση «Βασικές Δομές» στο Εβραϊκό Μουσείο.Ο Clement Greenberg, διάσημος κριτικός, μίλησε για αυτό το έργο ως το καλύτερο σε αυτόν τον τομέα. Το 2004, το Rainbow Picket ανακατασκευάστηκε και αργότερα το αντικείμενο έγινε το σήμα κατατεθέν της LAMOCA «Minimalistic Future? Η τέχνη ως αντικείμενο (1958-1968)».

Δημιουργώντας έργα όπως αυτό, δοκιμάζοντας τις δυνατότητες του χρώματος με τα αυτοδημιούργητα χωρικά μοτίβα και τα σχέδια της, η Τζούντι Σικάγο έγινε γνωστή ως καινοτόμος στο μινιμαλιστικό είδος.

Dan Flavin, "Untitled (After Harold Joachim) 3" (1977)

Το "Untitled (μετά τον Χάρολντ Τζόακιμ) 3" είναι ένα από τα πολλά έργα του Νταν Φλάβιν. Αποτελείται από λαμπτήρες LED και μεταλλικά κλιπ. Ο συγγραφέας μελέτησε τις δυνατότητες του φωτός φθορισμού για τρεις δεκαετίες, εκτελώντας το έργο του μόνο με υλικά που διατίθενται στο εμπόριο. Έχοντας απαρνηθεί τις έννοιες του αφηρημένου εξπρεσιονισμού, ο Flavin άρχισε να χρησιμοποιεί τέτοιο εξοπλισμό και στη συνέχεια τον εισήγαγε στον κόσμο της υψηλής τέχνης. Με την πρώτη ματιά, το έργο φαίνεται να είναι όσο το δυνατόν πιο απλό, αλλά αν κοιτάξετε προσεκτικά, θα δείτε μια βαθιά πολυπλοκότητα του έργου.

Τα έργα του Flavin τείνουν να υπερβαίνουν τον χώρο στον οποίο βρίσκονται, χάρη στο παιχνίδι του φωτός και μια ποικιλία χρωματικών παλετών. Τα αντικείμενα επιτρέπουν στον θεατή να κολυμπήσει στη ζεστή λάμψη των LED, δημιουργώντας μια συγκεκριμένη ατμόσφαιρα.

Eva Hesse, "An Nameless Work (Pieces of Rope)" (1970)

Η Eva Hesse γεννήθηκε στη Γερμανία. Τώρα τη γνωρίζουμε ως μια καινοτόμο Αμερικανίδα γλύπτρια στην εργασία με λατέξ, υαλοβάμβακα και πλαστικό. Έθεσε τα θεμέλια για την ανάπτυξη του μεταμινιμαλισμού στη δεκαετία του '60 του ΧΧ αιώνα. Ο συγγραφέας διερεύνησε τις ιδιότητες των απλούστερων υλικών για χρήση σε εικονογραφήσεις για πολλά περισσότερα.

Το «The Nameless Work (Pieces of Rope)» δημιουργήθηκε το 1970, όταν η Έσση ήταν ήδη στα πρόθυρα του θανάτου, και ολοκληρώθηκε με τη βοήθεια των συντρόφων της. Το έκθεμα είναι κατασκευασμένο από λάτεξ τεντωμένο πάνω από σχοινί, πετονιά και σύρμα και κρέμεται από την οροφή. Προσομοιώνει ένα μπερδεμένο μοτίβο στο χώρο. Η Έσση έχει απομακρυνθεί από την παραδοσιακή τακτοποίηση του μινιμαλισμού, αλλά οι τρόποι παρουσίασης του υλικού της γίνονται αντιληπτοί μέσα στο είδος.

Donald Judd, Untitled Job (1980)

Ο Ντόναλντ Τζαντ αρνείται κατηγορηματικά τη σύνδεσή του με τον μινιμαλισμό. Παρόλα αυτά, είναι ένας από τους ιδρυτές του. Στις αρχές της δεκαετίας του '60 του εικοστού αιώνα, ο συγγραφέας ανακάλυψε μια ορισμένη εχθρότητα προς τις ευρωπαϊκές καλλιτεχνικές αξίες, έτσι απομακρύνθηκε από το έργο ενός γλύπτη και άρχισε να δημιουργεί έργα που δεν μπορούσαν να αποδοθούν σε κανένα από τα παραπάνω τμήματα της τέχνης. Η δουλειά του έχει επίσης εκτεθεί στο Major Structures στη Νέα Υόρκη.

Στη δεκαετία του 1980, ο Judd άρχισε να δημιουργεί κρεμαστά, κάθετα ράφια. Ένα παράδειγμα αυτού είναι το "εργασία χωρίς τίτλο" (1980). Μέχρι τώρα, αυτού του είδους η δουλειά δεν μπορεί να αποδοθεί στη ζωγραφική. Όχι ένα γλυπτό. η εργασία είναι κατασκευασμένη από 2 τύπους υλικού: αλουμίνιο και πλεξιγκλάς. Αυτό γίνεται για να σκεφτεί ο θεατής την αντιφατική φύση της τέχνης: οι αδιαφανείς και εμμονικές φιγούρες από το πλάι συνδέονται με τα βάθη του χώρου μπροστά.